MASSIMODECARLO画廊伦敦空间荣幸呈现美国艺术家莉莉·斯托克曼 (LILY STOCKMAN) 与画廊合作的首场个展《THE WAVES》。

莉莉·斯托克曼此次的展览标题来自弗吉尼亚·伍尔夫 (VIRGINIA WOOLF) 1931年的同名小说，描绘了六位伙伴从童年步入老年的故事。伍尔夫由人物思想所驱动的叙事，是类似于传统小说范畴之外的东西 — 更像是一首有关意识的绘画性诗歌。书中伙伴们的最早记忆读起来像是对绘画的描写：

“我看见一只戒指，”伯纳德说，“挂在上方。颤动着，在一圈光芒中。” “我看见一块淡黄色石板，”苏珊说，“不断散开，直至碰到紫色波纹。” “我看见一根深红色的流苏，”金妮说，“被金线缠绕。”

通过阅读，我们可以发现每个角色如何以不同的方式诠释外部世界。不同的记忆与理解模式在小说中穿插、循环、重复，如同在整个故事中不断出现的波浪。斯托克曼展此次出的十二幅亚麻布面油画同样唤起了一种生动的情感，来自她自己的记忆，以及她和三个姐妹的集体童年记忆。整组作品被视为一个整体，图案与色彩在作品中被不断回溯、伪装、再现，在集体记忆中加倍往复。

斯托克曼经常提到其绘画中的“语法”：一系列生物形态的主题定义了她独特的视觉语言，在辐射式的结构中，带有语法标点般的符号。艺术家将小作品（她称之为“动词”）与大作品（“名词”）精心穿插在一起，在整场展览中营造出波动的视觉韵律，以及观者穿梭在画廊时体验到的物理节奏 — 走近观看细节，再大步退远欣赏整体。

斯托克曼的作品充满含义：紫色与金色的双联作“TYGER TYGER”题目取自威廉·布莱克 (WILLIAM BLAKE) 的名诗。展览中的许多画作也暗示着他们的周遭建筑，模仿了1723年格鲁吉亚房屋的元素。从“TYGER TYGER”走向下一个展厅，观者会注意到画面构图借鉴了洛可可复兴时期的镜子框架。当装饰性元素出现在MDC画廊伦敦展厅内，它们的形态与轮廓为柔和的室内氛围提供了完美的衬托。

绘画中具有支撑性的视觉结构让人想起二十世纪早期法国哲学家亨利·柏格森 (HENRI BERGSON) 的“ÉLAN VITAL”（意为“重要的力量”），通过激发立体派与野兽派的元素，影响了现代主义，包括伍尔夫的意识流文学风格，占领巴黎，随后在伦敦流行。它是一种原始的、共同的冲动，由贯穿于一切生物的“流动的同时性”及能量所驱动：花朵、动物、人类 — 它激发生命、成长与创造性的直觉。斯托克曼的展览作品无疑来源于该理念。

艺术家用结构性绘画表现出“在自然世界中的体验”，不仅描绘自然，更与自然世界融为一体。小幅的橙色与棕色作品“MEADOW BROWN”模仿了同名蝴蝶的翅膀图案，只有在长时间研究昆虫的情况下才能达到如此细节的程度。该图案也在大幅画面“GREAT DIXTER”中被重复，标题来自肯特郡乡村一座受人喜爱的花园，以绝妙的花园边界而闻名，其中隐藏着大片野花和植物，也是作品中褐色蝴蝶的家园。

随着伍尔夫笔下人物的年龄增长，他们的理解力不断增强，不仅描述视觉看到的东西，还融入了不同的感官的体验：“伯纳德说：公鸡的叫声像白色潮水中涌出的一股红色”。斯托克曼的绘画世界正是从此类的观察与回忆中创造出来，通过独特的几何抽象，将曾经作为物理体验的事物转化为通感描述：“RED CAMELLIA”，蚂蚁在茶花的猩红轮圈中以蜜露为食；“RETURNING TO THE ISLAND”，蓝鸟在单调的花岗岩悬崖上用钴条纹的翅膀猎食；“BELL BUOY”，铃浮标在雾中发出鸣响的声音；“NEW MOTHER”，衣物在新生儿皮肤上留下精致的粉红色贴边。

斯托克曼对颜料的处理微妙又灵活：她淡化每一层的不透明性，将底色从下层释放出来，比如“DUTCH TULIP”中粉色叶片上的赭色层次。尽管从远处看，她的作品呈现出看似精确的对称性，但近距离观看时，作品表面的绘画感令人惊讶，如同看到画笔在布面弹跳摩擦、留下手工的独特印记。

斯托克曼的自然世界拥有属于她自己的建筑规则。作品中诗歌般的韵律感，奇异且光芒四射，迷人又神秘，久久回响。

“这是我们的世界，被新月与星星照亮；巨大的半透明花瓣像紫色的窗户，挡住入口。一切都很奇怪。事物很大，也很小。花茎粗如橡树。叶片和大教堂的圆顶一样高。我们是巨人，躺着，让森林颤动。”

《海浪》，弗吉尼亚·伍尔夫（1931年）