里森画廊呈现日本雕塑家安永正臣 (Masaomi Yasunaga) 在伦敦的首次个展「远上白云间」(Clouds in the Distance)。此次展出的新作巧妙地将古代陶瓷工艺与新颖的艺术探索相融合，向英国观众介绍安永极具冒险精神的创新实践。展厅中呈现了八十余件作品，从生物形态的大型雕塑到精致制作的小巧器皿，作品均由艺术家在其位于日本三重县伊贺市的工作室中创作完成。

安永是日本艺术家星野暁的学生，而星野则师从战后艺术运动“走泥设”的创始人八木一夫。走泥社摒弃早前以工艺为基础的民艺运动的思想，挑战日本传统艺术观念，引入非功能性陶瓷器具的概念，其先锋精神对后世影响深远。

作为走泥社第三代传承人，安永并没有像前辈一样使用陶土，而是选择彩釉作为主要创作材料，同时将矿物长石、整块岩石、金属或玻璃粉末等未经打磨的粗砺元素与之混合，再将成型的作品埋入沙层和高岭土中进行烧制。冷却的雕塑随后会被一种类似考古发掘的方式，从周围的土层中挖掘剥离出来。如此诞生的形式是由自然力量塑造而成的，不加以人工干预。“融化材料，让地心引力再次掌控它的形状，于这个过程中，消除自我。”当材料在窑炉的高温作用下发生形态变化时，潜在的破坏性过程正好是对安永的这一表述的再现。

从实体到概念，火无疑都是安永创作探索的核心——每一件作品都在窑炉的炽烤下发生了炼金术般的变化，从而被赋予了独特的光泽。如安永所言：“我作品的终极目标不是自我表达，而是在经过火的淬炼之后依旧残存坚的自我。”艺术家对火的力量的深刻理解，即其价值和破坏力，是在艺术实践中形成的。几年前，安永曾亲身遭受了火灾带来的灾难，他的室外窑炉蔓延成一团野火，导致他大部分作品悉数毁于其中。尽管如此，安永依旧阐释了如何在最不可控的情况下发现美的存在，表示自己的雕塑便在火中升华，从人工的变成自然的，一种极致纯粹的美由此成型。

此次展览呈现了一系列抽象形态的器皿，其中夹杂着铜、花岗岩、高岭土、玻璃、硅石、黄铜、砖块、银箔和金箔，蕴藏了极深厚浓烈的情绪，艺术家将它们视作是与今年夏天去世的祖父的一次精神重逢。安永从走泥社信奉的“形式大于功能”这一理念中汲取灵感，从纯粹为目的而作的艺术品中解放出来，进而创造出植根于存在主义、具备情感意义的器皿。

在一个展厅里，安永搭建了一个L型平台，厚重的粗糙粉末状粘土堆如同河床岩层，其上方展示的雕塑作品在这样的设置下仿佛刚刚被从土中挖出。这些作品所唤起的是过往的废墟和残存的遗迹，凭借其创作历程和最终雕塑作品，探索缅怀的过程，追寻对往昔的渴求。安永目睹了自己的悲恸，以及亲人从近在咫尺到遥不可及的巨变，他反思了人之存在和认知的边界，将自己的创作实践视作一种与人类无法触及的事物建立联系的方式，就像孩子伸手去触摸天空中的云朵。这些新作不仅是对陶瓷形态演化的一次重新审度，亦是对安永本人与时间、空间和记忆关系的重新思考。